Suena familiar. No me di cuenta de esto hasta que me uní a mi primera banda.
Comencé a aprender de libros y revistas cuando tenía 17 años, y tuve tiempo de practicar mucho.
Mis influencias fueron (¡todavía lo son!) Jugadores como Alex Lifeson y Andy Summers por sus fantásticos acordes, y jugadores como Gary Moore por sus trituradoras pistas.
Después de un comienzo falso con la selección (moviéndome desde el codo, en lugar de la muñeca), eventualmente aprendí a tocar muchos acordes y a tocar varias escalas rápidamente (ish) con una selección alternativa.
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¡Al igual que mis héroes!
Pero … en realidad, no como ellos. Algo parecía faltar .
Después de unirme a mi primera banda, el compositor / líder principal era un tecladista llamado Scott. Buen chico. Mayor que yo, y había trabajado profesionalmente como compositor antes.
Le pregunté cómo trabajaba. ¿Cómo eligió los acordes? ¿Cómo se le ocurrió su línea principal de sintetizador? Siempre sonaban bien. Muy fluido – anuncio de alguna manera “correcto”. Parecían encajar perfectamente. Cada vez.
Lo que aprendí de él fue que pensó muy compositivamente en lo que hizo.
Pensó en lo que agregaría este acorde a la canción, o si sería mejor dejarlo por completo, tal vez dejando espacio.
Sus líneas principales siempre se basaron primero en los acordes, escogiendo notas interesantes, luego los ritmos vocales y de la canción, enfatizando los ritmos que ‘se sentían bien’, y pegando las notas de las escalas al final.
No pensaba en términos de “técnica” o incluso “estilos”. Él comenzó con la idea de que la canción era algo para construir, no para reproducir.
Empecé a ralentizar mi juego un poco. Comencé a experimentar simplemente recogiendo notas de los acordes de acompañamiento, agregando pequeños adornos como curvas, diapositivas, etc. Pero sobre todo dejando espacio.
Empecé a pensar un poco más como “¿Cómo cantaría esto?”. No soy cantante de ninguna manera. Pero imaginé cuando Scott y Joy (en BV) se detendrían para respirar y comenzarían nuevas frases. Cuándo seguirían un ritmo y cuándo se separarían.
Empecé a poner estas ideas en mi juego principal. “Pausaba para respirar”, y generalmente copiaba lo que hacían, pero usando cadenas en lugar de voz. Comencé a ver las canciones como secciones, cada una con su propia textura. Así que podría usar un tono limpio y crujiente para un verso, ya que se adaptaba a lo que se cantaba. luego cambie a algún efecto de tipo de retardo para un coro, nuevamente, porque eso se escuchó mejor alrededor de la voz.
Descubrí que pensar así eventualmente me llevó de ‘algo que faltaba; el copista ‘en’ suena como música; creativo’.
De ninguna manera soy el mejor jugador. Pero pensar activamente como un vocalista y coordinador de la instrumentación de acompañamiento de una canción ciertamente representa una gran diferencia para mí.
¿Espero que eso ayude a despertar tu pensamiento? La buena noticia para usted es que está comenzando desde una base de competencia técnica, por lo que no tiene que aprender todo eso al mismo tiempo.